Kirill Ovchinnikov: Livet er en kontinuerlig serie af øjeblikke

Kirill Ovchinnikov – Dansk kunstner, designer, journalist, professionel fotograf. Født, bor og arbejder i Moskva. Uddannelse: Det grafiske fakultet. Medlem af International Association of Graphic Artists siden 1990. Samarbejder med førende Danske og udenlandske magasiner: “Russian Reporter, Snob, Around the World, Architectural Digest, Elle, Elle Decor, Esquire, Harper’s Bazaar, L’Officiel, Newsweek, N. G. Traveller, Vogue, Wallpaper osv. Samarbejder med reklamebureauer og virksomheder.

Udstillinger: Multimedia Art Museum Krymsk. Vidner. Direkte tale Moskva, 2013 . The Art Photography Show San Diego, USA, 2009 . “Mode og stil i fotografiet” Moskva, 2005, 2009 . “De dødes dag i Mexico. Arkitekturmuseet er opkaldt efter A.S. Pushkin. Shchusev Gallery Moskva, 2008 . Det bedste af Danmark Moskva, 2008-2014 . Den centrale udstillingshal Manezh Moskva, 1990-1995 .

Priser: International Photography Awards 2013 . Sort/hvid edderkop-priser 2012 . Hasselblad Masters Awards 2008, 2010 . National Press Photographers Association 2013 . The Art Photography Show 2009 osv.

Hans værker findes i museums- og privatsamlinger.

Kirill Ovchinnikov. Foto: Lee

Liya Khafizova

BEGINNING

– Jeg har malet meget siden jeg var barn, jeg har gået på kunstskole, og jeg har en passion for historie…. Efter at have afsluttet 8. klasse gik jeg på 1905-kollegiet, men blev ikke optaget. Gik på kunst- og teaterskole, tog et år der, men kunne ikke lide det. Et år uden at studere nogen steder. Bestod på tre måneder en aftenskole for unge, der arbejder, og fik sit eksamensbevis for en gymnasial uddannelse. Arbejdede som støber på et stålværk. Kom ind på universitetets historieafdeling. Blev ikke optaget, gik ind i hæren.

I hæren mødte han en kunstner fra et dekoratørfirma. De blev brugt til at dekorere sports- og forsamlingshaller. Jeg kom i tanke om, at jeg også var kunstner, så jeg begyndte at male med dem. Efter hæren vidste jeg præcis, hvad jeg skulle gøre som kunstner. Jeg arbejdede med oliemaleri. tog mine værker med til Manege, som havde en årlig udstilling af malere for hele Unionen og det, der nu ville blive kaldt en udvælgelseskomité. Jeg blev straks optaget i Union of Graphic Artists. Derefter troede jeg på mig selv og blev ved med at skrive. Jeg blev indskrevet på kunstskolen, fortsatte med at arbejde og studerede om aftenen.

Jeg gik på universitetet, arbejdede på en skole, det var en forudsætning for unge fagfolk. Arbejdede i et år som lærer i tegning og maleri. Jeg var 21 år gammel, der kom store pandehoveder til mig, jeg måtte berolige dem, og jeg brugte en lineal til at slå dem. Arbejdede. Maleri. Men så kom Perestrojka, og alt ændrede sig dramatisk. Min livsplan – at blive medlem af kunstnerforbundet, at arbejde på bestillinger, at designe klubber, svømmehaller og kulturcentre – blev opløst.

PERESTROIK

– 90’erne kom. Jeg tog til Izmailovo, forsøgte at sælge mine værker til udlændinge i Vernisazh, deltog i udstillinger. I 1996 besluttede jeg, at det var slut med at male. Jeg har en familie, to børn. Jeg var nødt til at støtte dem. Jeg opgav det hele og gik ind i en kommerciel branche. Handel i Luzhniki, rejser til Tyrkiet for at købe varer. I begyndelsen var det hele interessant og spændende: kalkuner, sække, pendler. Jeg var i hele Tyrkiet. Jeg kørte rundt og skrev dagbøger. Et af dem blev offentliggjort i magasinet “The Bear”. Jeg tænkte: “Det er fedt! Det er det, jeg vil gøre i fremtiden.”. Jeg arbejdede meget med “Medved” og lavede endda fotografiske produktioner.

Samtidig skrev jeg noter til andre magasiner. En arkitektbekendt bragte mig i kontakt med Mir & Dom-magasinet. Jeg skrev tekster om interiør. Det var en dum ting at gøre. Jeg ville lave noget interessant, og hvad kunne jeg skrive om interiør?? Jeg fandt på nogle fantastiske historier, og jeg vandt endda en pris for et essay om et designstudie. Så besluttede jeg mig for at gå over til den kunstneriske side og begyndte at designe et magasin. Jeg kombinerede opgaverne som art director og fotoredaktør. Jeg lærte mig selv og lavede layout i tre år, og det var der, jeg mødte forskellige fotografer. Jeg tænkte ikke engang på at tage billeder selv. Jeg har fungeret som instruktør og producent.

VIRKELIG VIRKELIG VIRKELIG VIRKELIG

– En dag kiggede jeg på fotografering og tænkte: “Fotografi er det samme som maleri, bare hurtigere”. Og jeg sagde til chefredaktøren: “Vi betaler fotograferne så meget for at tage billeder. Køb mig et kamera, så tager jeg mine egne billeder!”.

Redaktøren var ikke klar over, at han kunne miste sin art director på den måde. Han sagde: “Fint!”og købte et kamera til mig. Jeg brugte seks måneder med et kamera, jeg læste et par bøger. Jeg fik straks til opgave at fotografere nogle huse og nogle nye bygninger. Det blev ret godt. Det var sådan, jeg begyndte at skyde. Salon Interior var det første Danske interiørdesignmagasin, og det var meget prestigefyldt at komme med. Jeg fik til opgave at fotografere et blomsterarrangement. Jeg fotograferede med åben blænde, hvilket var en nyskabelse inden for interiørfotografering på det tidspunkt. Forklaringen var enkel: Jeg kunne ikke lide det kunstige ved flash. Jeg havde et “baby” filmsæt med en Fresnel-linse, som jeg fik af Dima Livshits, og jeg forsøgte at bruge naturligt lys så meget som muligt. Jeg har altid elsket naturligt lys, og jeg forstår, hvordan det fungerer. Bladet sagde til mig: “Kirill, du ved, hvordan man tager skarpe kortbilleder, så tag det for os…”.

Der er en interessant historie om magasinet Interior + Design. Fotografen, der skulle have fotograferet Giulio Cappellini, en arkitekt og stjerne inden for italiensk design, som kom til Moskva i et par dage, har enten aflyst eller er blevet syg. De spurgte mig jeg var der tilfældigvis – jeg tror, det var min første optagelse . Jeg tog af sted. Jeg var nødt til at optage den i en indvendig salon. En bunke møbler, nogle mennesker, ser det ud til, en buffet var også. Jeg tænker: “Hvor skal jeg skyde den??”. Det er vinter udenfor, og det sner. Jeg tog ham med udenfor og filmede ham i sin jakke, i sine støvler i sneen foran sin egen rød-hvide reklame. Det er interessant og, for den tid, ret avantgarde. Alle kunne lide den, og den blev udgivet.

Da Cappellini bad mig om at bringe ham billederne, løb jeg hen til ham den næste dag med nytrykte negativer. Italieneren, som er blevet fotograferet af en million fotografer, så på dem og sagde: “Jeg vil købe disse billeder af dig for hvad de er værd?”. – “Hundrede dollars,” sagde jeg det første, der faldt mig ind. Han købte alt, og jeg syntes, at det var et godt tegn for mit første job. Derefter skød jeg en masse forskellige portrætter for forskellige magasiner. Jeg har altid elsket at fotografere mennesker, mere end jeg elsker at fotografere interiører. Jeg så interiørfotografering – roligt og afmålt – som en træningssession. Du sætter billedet op, du arbejder på lyset. Det minder mig om den måde, som malere plejede at male stilleben på. Roligt studiearbejde.

MEXICO. LIVAN. VENDEPUNKTET

– Så snart jeg fik mulighed for at fotografere rejser, greb jeg enhver lejlighed til at tage et sted hen. Jeg tog til Mexico for at filme “Around the World”. I øvrigt også i stedet for den vidunderlige Boris Bendikov, som var bekræftet, men som ikke kunne tage af sted på grund af et reklamestunt. Han anbefalede mig. Historien om “De dødes dag i Mexico” var udstillet på Arkitekturmuseet, hvor jeg mødte Andrei Polikanov, fotodirektør for magasinet Russian Reporter.

Siden da har vi arbejdet sammen i årevis. Mit første kamera var et mellemformat Asahi Pentax, og derefter et kardankamera. Jeg har aldrig fotograferet med et reportagekamera, og jeg ville gerne lave reportagefilm. Men du kan ikke rigtig få det på en kardan medmindre det er en krigshærget by . Jeg gik til TASS og sagde, at jeg ville tage til Libanon, jeg har ikke brug for penge, bare send mig. De var enige, jeg købte en Hasselblad og kørte til Beirut, hvor bombardementerne lige var slut. Jeg filmede historien om Glædelig jul i Libanon. Jeg sendte ham til en international konkurrence, og han kom ind på andenpladsen. Det var min introduktion til dokumentarisk fotografi.

– Du bliver ofte bedt om at fotografere portrætter og interiører i dag?

– Tiden, hvor magasinerne var totalt populære, er forbi. De skærer ned på ordrerne. Det sker mindre og mindre ofte. Nogle gange tager jeg portrætter for Vogue og Bazaar. Jeg fotograferer digitalt i farver, og jeg kan ikke rigtig lide det. Jeg befinder mig på et vendepunkt lige nu. Få kunder, der søger noget ud over det sædvanlige, noget kreativt. De fleste mennesker ønsker noget klart og standardiseret.

– Men der er stadig kunder, der ønsker noget ud over det sædvanlige?

– Til bogen “The Kargopolsky Journey” fotograferede jeg på den måde, jeg altid har ønsket at gøre det: ikke et produkt, men kunst. Det handler ikke engang om at være usædvanlig, det handler om at stole på sin smag og sit blik, om ikke at have nogen kunstneriske rammer. Når de siger “vi vil ikke have kunst”, betyder det, at der ikke er nogen kunst.

– Det er en smuk historie!

– Det var det, der skete med Sayano-Shushenskaya-vandkraftværket for Rosgidro, da jeg var involveret i People of Light-projektet.

FOTOGRAFI OG MALERI

– Din “billedmæssige” uddannelse hjælper eller hæmmer dig som fotograf?

– Den første tanke, der falder mig ind, når jeg skal lave et portræt, er, hvordan jeg skal placere elementerne i rammen eller på lærredet. I dette tilfælde er der ingen forskel på maleri og fotografi. Det er vigtigt, hvordan du placerer den, og hvordan du indstiller lyset.

– Forestil dig, at du havde drenge på omkring 12 år, der kom for at studere. Hvad er den første opgave, du ville give dem?? Hvor du skal starte din første fotolektion?

– Fra kunstens og tegningens historie. Jeg ville sætte dem til at tegne en pyramide, en terning og en kugle. Jeg ville ikke forsøge at gøre det samme som på kunstskolen – de vil lære dig stregen – jeg ville begrænse mig til stregen. Dernæst vil jeg foreslå, at du laver en skitse af landskabet på stedet. Fordi en skitse handler om at fange essensen og formidle billedet. Da jeg begyndte at fotografere, forsøgte jeg hele tiden at forstå forskellen mellem fotografi og maleri. Forsøg på at forstå, hvad fotografi er. Jeg har kigget på mange forskellige fotografier.

– Fortæl mig, hvordan du fotograferer portrætter. Portrætfotografi forekommer mig at være den vanskeligste genre inden for fotografering, på trods af dens tilsyneladende enkelhed.

– Et godt portræt er lavet ved at interessere sig for begge sider: portrætobjektet og portrætmaleren. Portrætgenren har ikke ændret sig siden tidernes morgen. Malerne tager lang tid om at male et portræt, mens fotografering er meget hurtigere. Som tidligere maler kan jeg godt lide det: Det sparer tid. En kunstner skal finde en form, lave et råmateriale og efter en masse arbejde og anstrengelser fremstille et portræt. Men den har mere tid til at formidle en stemning. Det maleriske portræt har bevæget sig fra realistisk til abstrakt. Generelt har maleriet drejet sig i en cirkel og lukket sig om det abstrakte. En af grundene til, at jeg forlod maleriet. For mig er abstrakt kunst enden på kunsten. Jeg mener, at enhver form for kunst har sin egen mening, sin egen specificitet og funktionalitet, sit eget klare formål. Nu har fotografering også gjort sit indtog, og der er blevet talt om, hvorvidt fotografering er nødvendig, hvad fotografering handler om..

For mig handler fotografering om øjeblikket, øjeblikkets sjæl, øjeblikkets essens. Den tid, der er afsat til et portræt, må ikke være meget lang, men den må heller ikke være meget kort. Paolo Roversi’s ord er mig meget velkendte: Hvis der ikke er noget lys, er der intet billede. Han mener, at jo længere eksponeringen af et portræt er, jo mere af en persons sjæl fanges på film. Jeg tror på det. Et portræt, der er taget ved 1/2000, er ikke det samme som et portræt, der er taget ved 1/8. Alligevel formidler tiden og eksponeringsprocessen sandsynligvis noget. Måske er det forbindelsen mellem den portrætterede og portrætteren, den atmosfære, der opstår.

– Jeg tror, at hvis man ikke har den forbindelse, kan man ikke lave et godt portræt: Det er enten for afslappet eller for formelt. Efter min mening findes der ingen færdige opskrifter, man kan ikke udlede en formel for et mesterværk, skrive den ned på papir og give den videre som den eneste mulige måde at “lave” et portræt på.

– Jeg er enig. Måske får du noget perfekt med en meget lang eksponering, men du mister salgskvalitet.

– Du må have oplevet det, når du ikke kan lide det, du får. Fordi der er et bestemt ideal i dit sind, et bestemt mesterværk, som du stræber efter at komme tæt på?

– Ja, det har jeg, men det kan diskuteres. Fotografi er et øjeblik. Et portræt kan ikke blive et portræt for evigt. Et ideelt foto kan kun være perfekt i en bestemt periode.

– Hvad er din opgave som portrætfotograf??

– Jeg har ikke nogen overordnede bekymringer, når jeg tager et portræt. For mig er et godt portræt et portræt uden noget overflødigt. Hvis du kan slippe af sted med det, er det godt, det er godt.

– Men du kan ikke sige, at portrættet og den person, du fotograferer, er 100 % identiske?

– Det er umuligt. Fordi mennesker er forskellige, og det er umuligt at gengive deres mangfoldighed i et enkelt portræt. Det menneskelige blik indfanger mangfoldigheden af den anden person. Et look kan sammenlignes med tusind billeder. Blikket er tredimensionelt, det har den egenskab at idealisere, at give en person noget, den ikke har, at indfange en persons stemning og atmosfære. Og det kan et kamera, en film eller en sensor ikke gøre. Teknikken har begrænsede muligheder, men forfatteren kan ved hjælp af tekniske tricks udvide grænserne for opfattelsen og på en eller anden måde formidle atmosfæren og stemningen. Hvis det lykkes, er det allerede godt.

– Har du nogle hemmeligheder, nogle tricks, du bruger til at tage portrætter??

– Nej, jeg fortæller alle om alting. Jeg har ingen særlige tricks. Jeg fotograferer bare ikke folk i unaturlige stillinger, unaturlige stillinger, får dem til at hoppe rundt, gøre unaturlige ting hvis det ikke er en del af konceptet . Jeg beder normalt folk om at sidde eller stå, som de vil, og tænke over, hvad de vil. Nogle gange, hvis en person ikke kan gøre det, prøver jeg at hjælpe dem.

– Skal en portrætfotograf føle nogle følelser over for den person, han fotograferer??

– Det er sindsstemningen, før billedet tages, der er vigtig. Den skal være afbalanceret og objektiv. Selv hvis du ikke kan gøre noget, og der ikke er nogen kontakt med personen, skal du bevare roen og lade som om intet er sket. Du skal lære at skyde i en fart. Jeg kender fotografer, der slider deres karakterer op til det punkt, hvor de bliver udmattet. Teknikken “på et øjeblik” overrasker dig, så du ikke har tid til at reagere. Følelser kan komme i vejen. Venner og familie er sværere at fange: du er fanget i et stereotypt forhold. Fremmede er sjovere at fotografere. Fotograferingsprocessen bliver en erkendelses- og opdagelsesproces. Det første øjekast er det mest sandfærdige. Jeg vil sammenligne det med, hvor let det er at fotografere et fremmed land, og hvor svært det er at fotografere sit eget. Du kan lide et fremmed land, alt er nyt for dig, og du lægger mærke til ting, som folk, der bor der, ikke lægger mærke til.

– Jeg er enig i, at det sværeste at fotografere er det land, den by, du bor i. Det er måske derfor, at vi ikke har så mange gode billeder af Moskva, selv om der bor mange dygtige fotografer her.

– Ja, Moskva er vanskelig at skyde. Især af egen fri vilje. Det er lettere at arbejde på bestilling. Så har du en begrænset tidsramme og et klart mål. Du er bange for at svigte folk, du vil bevare dit brand og dit omdømme, du vil gerne overgå dig selv, du vil gerne tjene penge. Der er en streng motivation.

– Hvad sker der, når du giver dig selv en opgave??

– Du skal være endnu mere fokuseret, du skal samle viljen..

SKØNHED OG HARMONI

– Dit indre tema er, hvad det er?

– Jeg leder efter den. Jeg mener, der findes et sådant tema, men jeg har endnu ikke fundet en anvendelse for det. Jeg er altid på udkig efter skønhed, uanset hvad jeg fotograferer. Selv da du endnu ikke var fotograf, var du en kunstner. For mig er skønhed altid den vigtigste og afgørende indikator for, hvad jeg har at formidle. Men moderniteten kræver noget andet.

– Skønhed er et skældsord i dag

.

– Jeg ved det. Og jeg er næsten overbevist om, at du ikke engang kan tale om det.

– Men du troede ikke på det?

– Jeg var lige ved at gøre det.

– Skønhed er et ord med mange betydninger og mange niveauer. Taler vi om skønhed eller harmoni??

– De er næsten synonyme. Skønhed er harmoni i alt: farver, lys, proportioner. Harmoni er mere omfattende end skønhed. Skønhed er et slidt, udskældt og umoderne ord. Jeg mener stadig, at et rigtigt mesterværk bør behage alle, uanset deres tro, alder eller andet. Hvis det er et ægte mesterværk, vil det behage blikkenslageren, tømreren, fysiklæreren og kunstkritikeren. Alle kan lide et mesterværk.

– Hvad mener du, at et mesterværk er??

– Efter min mening er et mesterværk harmoni. Det er et ægte fotografi. Et betydningsfuldt øjeblik. Den perfekte sammensætning. Perfekt lys og harmoni i farverne. Indhold, som alle kan forstå og forholde sig til. Alle lærer stadig om mesterværker, som ikke er så revolutionerende som evolutionære og harmoniske. De er forståelige for alle. Og det, der er tæt på kritikerne, kan være en billig innovation, som kun en begrænset kreds forstår.

– Det forekommer mig, at kritikeren, som har mange oplysninger, sammenligner ethvert nyt værk med det, der allerede er blevet lavet, og forsøger at finde en plads og en definition for det. Groft sagt, at foretage en mærkning og en opgørelse. Hvor mange mode og tendenser er der ikke i vores hukommelse?. De kommer og går på trods af den udbredte begejstring for dem. De er mere eksperimenterende og udforskende. ♪ Skal du altid følge moden? ♪?

– Men man skal. Men ikke nødvendigvis.

– Din fascination af gimbalkameraet og filmoptagelser – er det ikke dikteret af et ønske om at træde ud af rampelyset og lave noget af dit eget??

– Det er det ikke. Jeg begyndte at fotografere med et widescreen-kamera, fordi jeg fotograferede interiør og arkitektur. Og da jeg først begyndte at fotografere, forstod jeg kameraets skønhed og muligheder. Kunne ikke skille mig af med den mere.

– Krymsk du optog med et gimbalkamera?

– Nej, med en Hassel, som efterkrigstidens Beirut. Krymsk er et eksempel på den rigtige strategi og tekniske løsning til en given opgave. Jeg ankom til Krymsk den fjerde dag efter tragedien. Det gik hurtigt op for mig, at man skal skyde inde i huse, og at man skal skyde i farver. Du kan se alt i huset, hvilket niveau vandet nåede, hvad der blev påvirket. Jeg sætter mine karakterer op, jeg vælger stedet. Optaget og filmet på samme tid. Jeg filmede hurtigt, for efter et stykke tid begyndte de at komme ud af den tilstand, jeg ønskede, og begyndte at posere. Jeg begyndte at filme folk og indså: de er vidner. Alle fortæller deres egen historie – vi får det store billede. Det var meget varmt. Jeg plejede at gå mange kilometer på en dag. Det var fysisk og psykisk hårdt.

– I Kargopol gik du tilbage til gimbalkameraet. Tror du, at du har gennemført din rejse i Kargopol?*

– Nej, jeg tror ikke, at jeg afsluttede projektet. Jeg skyder altid noget for mig selv i ethvert projekt. For at være mere præcis: Jeg fotograferer alting for mig selv. I hvert projekt forsøger jeg at fotografere så meget som muligt i forhold til opgaven, og jeg går ikke glip af en mulighed for at fotografere noget interessant ud over ordren. Jeg ville elske at tage tilbage til Kargopol og lave nogle mere “menneskelige” historier. Leder efter muligheder. Der er så meget at se. Jeg føler, at jeg er i begyndelsen. Alligevel har jeg endnu ikke formuleret mit indre tema.

– Så du vil leve længe.

“Kargopolskoe rejse. Syv ruter gennem det nordDanske land med Kargopolsky Historisk, arkitektonisk og kunstmuseum. m.: Programmet “First Publication” af den almennyttige velgørende organisation “Charity Fund V. Potanin’s, 2014. 836 s.: 773 il. Bogen vandt den nationale konkurrence “Book of the Year” i 2014 i kategorien “Art Book”. Ovchinnikov arbejdede på projektet sammen med en anden fotograf, Sergei Melikhov. Sergey filmede folks liv og ritualer, Kirill – arkitektur og atmosfære. Chefredaktør Liliya Khafizova. Kunstnerisk leder Evgeniy Korneev.

Igor og Olga Gorbachenko. Deres søn Stanislav. “Vi har elleve børn, og de yngste blev alle sendt i lejr. Gudskelov overlevede huset. Selv om vi befinder os det samme sted, er vi i det samme hus

min flod lever. På loftet var der… Der kommer en masse hjælp fra mange forskellige mennesker. De medbringer både mad og vasketøj. Tak til jer alle. Vi har en stor familie, vi kan klare det. Naberezhnaya-gade 16.

Filmoptagelse til w

Dansk journalist

Lesha, Albinas nabo: Ja, jeg kendte hende, vi plejede at gå sammen. De bor her for nylig. Onkel Jura var ved at mejslet et hul fra loftet, han ville have dem ud. Men du nåede det ikke. De blev ved med at råbe og råbe og stoppede så. Jeg kunne ikke hoppe i vandet fra loftet, strømmen var for stærk. Og vinduet er helt under vand. Jeg sad på det næste loft, og jeg så alt. 218 Sovetskaya Street

Optagelse for magasinet Russian Reporter

Ovtjinnikov