Næsten alle de traditionelle genrer inden for maleriet blev traditionelle genrer inden for fotografiet, da fotografiet opstod hvis det var teknisk muligt . Bemærkelsesværdige artefakter fra den fotografiske historie, såsom Niepces billeder på metalplader med en lukkertid på otte timer, var landskaber og stilleben. Og hvis det første fotografi, “View from a Window”, kan betragtes som det første “rene” stillbillede, er det “andet” som desværre kun er bevaret i reproduktioner , et stilleben med en flaske, en buket, et glas og en skive brød, allerede et eksempel på “konstrueret virkelighed”, et iscenesat fotografi med en velovervejet komposition og måske en vis symbolsk betydning.
1. André Kertész. Gaffel, Paris, 1928
1800-tallets stilleben var inspireret af en lang række forskellige billedtraditioner ligesom andre genrer inden for det unge fotografi . Skulpturelle buster, bøger, service, overdådige drueklaser, blomster, et kranium, et timeglas, et slaget spil… Tidens flygtighed, forventningernes meningsløshed, glæden ved jorden eller glorificeringen af ydmyghed samt beundringen for fotografiets evne til at formidle tekstur, skala og små detaljer.
Ofte tjener stilleben ikke kun til at gengive traditionelle allegorier, men også til at udtrykke specifikke overvejelser om fotografiet og dets plads blandt de smukke kunstarter. Ian Jeffrey, der er historiker inden for fotografi, har bemærket det bemærkelsesværdige antal stilleben bestående af river, skovle, spader og andre redskaber til havearbejde og tømrerarbejde.
Fotografernes refleksioner over håndarbejde synes at sidestille deres eget arbejde med håndværk – naturligt og ærligt. Men fotografiets krav på det yndefulde er også tydeligt fra begyndelsen. Fotografi – den mystiske hybrid. De smukke stilleben, der ligner hollandsk eller flamsk maleri, er både menneskeskabte og “filmet”, fremstillet, taget, ligesom nogle geologiske eksemplarer.
Måske er en af de mest “fotografiske” typer af stilleben, som ikke har noget traditionelt modstykke i det præ-modernistiske maleri, et stilleben uden motiv, der består af tilfældige genstande, der er optaget i fragmenter eller fra usædvanlige vinkler, og som kun er værdifulde for deres form. Still-life optræder i 1920’erne og begyndelsen af 1930’erne. Det var en tid, hvor man eksperimenterede med formen og udviklede nye kunstsprog, der var velegnede til at beskrive og analysere den foranderlige verden.
Visuelle puslespil, krydsende planer af glas, spejle og papir, enkle og velkendte skeer, gafler og tallerkener arrangeret ulogisk, brutalt beskåret, dramatisk belyst, der kommer ind og ud af rumlige konflikter med hinanden på vittige måder. Og også – mærkelige kombinationer af objekter, der normalt ikke møder hinanden på samme overflade, men som pludselig, når de mødes på et fotografi, giver anledning til interessante visuelle indtryk og uventede associationer. Sådanne stilleben, der er fortryllende i deres udsøgte fremmedartethed, blev snart anvendt i reklamer. Et bemærkelsesværdigt eksempel er Paul Outerbridges berømte “Collar” eller Edward Steichens annoncer.
Første halvdel af det tyvende århundrede var en tid med en konsekvent selvdefinition af fotografiet, af dets egen æstetik og filosofi, af et særligt forhold til virkeligheden og symbolikken, der adskilte sig fra andre kunstformer. Den klassiske tilgang til stillebenfotografering tog form i 1930’erne, da gruppen f/64 offentliggjorde deres manifest. Fotografiet kan, ved at acceptere sine naturlige konventioner og begrænsninger uden at efterligne maleriet, indfange, afsløre og forklare skønheden i det enkle hverdagsliv og hæve velkendte genstande op på et symbolsk generaliseringsniveau. Stueplanter i potter, æg og mælkeflasker, grøntsager fra haven, service og husgeråd kan forvandles til smykker ved hjælp af fotografering.
2. Alexander Sliussarev. 1970-1980.
3. André Kertész. I Mondrians atelier, Paris, 1926
Modernistiske eksperimenter, der kastede lys over fotografiets evne til at vise det almindelige på en usædvanlig måde, men på en sådan måde, at virkeligheden stadig kunne genkendes, banede vejen for Edward Westons stilleben, som ifølge Ansel Adams “genskabte verden omkring ham og fandt det fælles i tingene”. De næste generationer af fotografer, fra Sudek til Mapplethorpe, der valgte denne vej, gik ikke ud over et begrænset sæt objekter: glas, porcelæn, frugt, blomster. Ved mesterligt at manipulere lys og komposition har de skabt mange variationer af det klassiske stilleben, der udvider synshorisonten, men uden at modsige de konventionelle opfattelser af skønhed.
En fotograf, der i dag arbejder med stilleben, kan tage udgangspunkt i alle de modeller, der har været før ham, og fortsætte traditionen. Mange er imidlertid mere interesserede i at analysere denne tradition og spekulere over fotografiets plads og rolle som kunst og dokument og kunstneren som fortolker. På denne måde bliver et stilleben et redskab til studiet af stilleben.
For eksempel gengiver den amerikanske kunstner Sharon Corr minutiøst stilleben af Raphael Peele, en kunstner fra begyndelsen af det 19. århundrede, og hun bruger næsten mere energi på sine fotografier end maleren selv gjorde på sine malerier og han lavede en hel del . Sharon Corr søger at opnå en illusionistisk lighed med maleriet og ærligt gengive tidens ånd og stemning ved at dyrke blomster og grøntsager i sin egen køkkenhave sorter fra det 19. århundrede var mindre end i dag , købe tallerkener og vaser fra det tidlige 19. århundrede i antikvitetsforretninger og omhyggeligt arbejde med farverne for at få sine fotografier til at ligne malerier. På samme måde som Rafael Peel selv søgte maksimal realisme og naturtro kvalitet i sine malerier.
Resultatet? Det, vi ser, er maleri eller fotografi? Gamle eller moderne? Ægte eller falske? Originalen eller en reproduktion? Men under alle omstændigheder ser det i det store og hele smukt og tiltalende ud. Kompositionen er afbalanceret og farverig, rolig, elegant og traditionel. Godt eller dårligt, og frem for alt hvorfor?? Hvad forventer vi af stillebenet, hvilken betydning lægger vi i det??
Hvordan vores fortolkning af et sådant stilleben adskiller sig fra en beskuer fra det nittende århundrede? Fotografen oversætter gengivelsen af maleriet tilbage til de emner, som det afbilder, og tager fotografier, der ligner gengivelser af maleriet med sit omhyggelige arbejde. Er der overhovedet nogen umiddelbar virkelighed, eller er den skjult for os af de forskellige kulturelle konstruktioner, som vi ser den gennem??
En anden forfatter, Laura Letinski, tager kompositoriske stilleben i de bedste akademiske traditioner fremhævet af en hvid dug eller udførlige draperier . Temaerne om forfald, tilværelsens forfængelighed og jordens overflod er også til stede, hvilket er traditionelt for stilleben. Faktisk handler næsten alle Letinskis stilleben om dette. Men de genstande, vi får vist, kan ikke kaldes helligede af en ældgammel tradition.
Beskidte plastikkopper, stumper, madrester, der er smurt uæstetisk ud på tallerkener, krøllet emballage, diverse affald… Efter en overdådig fest eller et beskedent familiemåltid ser det frastødende ud på trods af den gennemtænkte komposition, den interessante belysning og de diskrete farver. Et maleri kan måske mildne effekten lidt, men et fotografi viser os den velkendte virkelighed, som er svær at abstrahere.
Letinski udforsker muligheden for og essensen af stilleben i vores tid. Da hun begyndte at fotografere stilleben, forsøgte hun sædvanligvis at sammensætte dem af genstande med en symbolsk betydning for at få dem til at tale. Men resultaterne af disse forsøg ser forsætlige, konstruerede og falske ud. Det moderne menneske, hvis visuelle opfattelse næsten udelukkende er defineret af fotografiet, tænker ikke længere i symboler. De ting, der er afbildet, har ikke længere den samme betydning som i det syttende århundrede.
Måske er atmosfæren i nutidens stilleben vigtigere end tegnet, og genstandene får betydning gennem deres beskrivelse. Fotografiet og reaktionerne på det afslører, hvordan samfundet forholder sig til emnet. Vi former vores omgivelser, indretter vores hjem, forbruger varer – meget af det er ubevidst, men ikke desto mindre er al vores adfærd kulturelt betinget. Det er interessant at observere og opdage, hvordan tingene foregår. Vores reaktioner på et fotografi, vores værdsættelse og associationer, og hvad der definerer det hele, er emnet for en fotografs undersøgelse. Han udfører denne forskning ved at bruge stilleben som et redskab.
Fotografer, der foretrækker den “fundne” frem for den “konstruerede” virkelighed, er engageret i den samme form for kulturologisk forskning. Forfattere som Wolfgang Tilmans, Nigel Shafran og mange andre nærmer sig det samme spørgsmål fra forskellige vinkler – om fotografiets evne til at give en genstand mening, til at skabe mening. Deres stilleben ser helt spontane og derfor spottende ud. Beskueren, der forventer i det mindste en minimal manipulation af virkeligheden fra kunstnerens side, spørger sig selv, hvad der er smukt ved den uvaskede opvask i vasken, de kaotisk spredte magasiner på bordet, papirservietter og cigaretskodder i askebægeret?
En konservativ beskuer vender tilbage til filosoffen Roger Scrutons postulat fra et par årtier siden: Et smukt fotografi er et fotografi af et smukt objekt. Hvis man mener, at den genstand, der er afbildet på billedet, er smuk, så er billedet det også. Der kan naturligvis være undtagelser, som kun bekræfter reglen.
Fotografiet har et arsenal af midler, der gør det muligt at forvandle det grimme til det smukke, som det f.eks. kan ses i Edward Westons og Irving Penns værker, der kan give en grim grøntsag eller endog et cigaretskod ædelhed, men deres indsats er tydelig for beskueren, og det er denne indsats, som han værdsætter. Fotografen fanger ikke bare alting, som det er, han arbejder omhyggeligt, komponerer, fremhæver, understreger og skjuler ting. Fotografi giver virkeligheden ny mening og værdi ved at omdanne den.
Men de “fundne” stilleben er slet ikke så enkle. Det er ofte dem, der stiller spørgsmålet: Hvordan føder fotografiet betydninger?? Hvor meget skal virkeligheden ændres, for at vi kan beundre den?? Måske skal der blot et enkelt øjebliksbillede til for at få billedet til at blive opfattet symbolsk? En bunke tallerkener vokser, lyset skifter, en blomst blomstrer i en potte – og sådan går livet videre, dag efter dag. Hvordan vi lever, hvordan vi ubevidst skaber orden, skaber konstruktioner af ting, organiserer verden omkring os? Og til sidst, hvorfor vil vi ikke se det hele som et kunstværk, et stillebenmotiv?? Eller ønsker at?..
4. Andrey Rogozin
5. André Kertész. Mondrians briller og rør, 1926
Er stilleben kunstgenre et udtryk for død natur eller et liv i ro? Hvad mener du? Jeg er nysgerrig efter at høre dine tanker om det.