Flere tidligere samlinger af fotos til analyse har indeholdt meget litterære værker, der er sendt til vores konkurrencer. Det forekom mig, at den elementære fotografiske uddannelse var trængt dybt ind i læsermasserne, og der var kun tilbage at påpege de store succeser og de små forfejlede muligheder i anmeldelserne. Men de filer, der blev sendt til mig denne gang, er desværre ikke så luksuriøse. Vi må vende tilbage til de enkle ting: indramning og fremhævelse af det vigtigste i rammen.
Kolonnen “Fotokritik” drives af Georgy Rozov, en kendt fotograf og lærer, forfatter af populære bøger om teknik og kunst af fotografering.
1
2
1. i 2.”At sælge drømme”
Alexander
Durmanenko. Lutsk, Ukraine.
Panasonic Lumix DMC-FS37-kamera.
Blænde f/4.7
Lukkertid 1/500 s
ISO 100
Oversat til s&w
Et stempel er fotografens betegnelse for en lys teknik, som er blevet brugt ofte og længe og er kedelig for alle. Det er det, der sker, når man får den samme lækre kage fra morgen til aften. Meget snart vil du have noget krydret, salt, surt, men ikke sødt.
Alexanders arbejde er ikke bare et frimærke, men et meget almindeligt frimærke. Denne teknik med ufuldstændig blegning eller delvis farvelægning anvendes normalt i reklamefotografier for at henlede opmærksomheden på en vigtig del af kompositionen, f.eks. et magasinomslag. I et portræt, for eksempel, blegede alt, så kun læberne blev lyse røde. Selv i dag kan man stadig støde på brugen af delvis afblegning i tv-reklamer, som seerne accepterer ganske roligt og uden protester: Reklameverdenen er konventionel, enhver mængde fantasi er mulig i den. Men Alexander Durmanenkos genrefotografi handler ikke om reklameballoner. Den handler om en piges drømme. Derfor er det på ingen måde berettiget at fremhæve farven på balloner.
Da jeg var i tvivl om det hensigtsmæssige i at anvende reklamestemplet på et genrebillede, besluttede jeg at bringe det tilbage til sin “oprindelige tilstand”. Derefter beskærede jeg det og fjernede alt det, der virkede unødvendigt.
Mine ældre lærte mig i min ungdom: Hvis du kan skære noget af et fotografi uden at skade dets opfattelse, betyder det, at det ikke er gennemtænkt. Efter nogle ukomplicerede manipulationer blev billedet dog til et ganske fornuftigt genre-studie.
3. “Og vinteren kom”
Evgeny Turkov. Penza.
Nikon D90 kamera
Nikkor 18-105mm f/3 objektiv.5-5.6G AF-S ED DX VR
Blænde f/9
Lukkertid 1/125 sek
ISO 200
Et elegant fotografi af Evgeny Turkov glædede mig med sin tekniske og kompositoriske nøjagtighed. Den rene og fugtige friskhed fra det sene Danske efterår. Efter min mening burde det oprindelige billede, som forfatteren sendte, have haft en vis kontrastforbedring ved hjælp af kurver i Photoshop, fordi Evgeny ikke har indstillet sort og hvidt punkt for ikke at miste sneens tekstur. Billedet så gråt ud som følge heraf. Jeg ville heller ikke risikere at miste detaljer i højlysene, så jeg dæmpede bevidst tonerne i anden og tredje zone af Adams-skalaen. Billedet er lige blevet skarpere og lysere.
For dem, der finder det for kompliceret at nævne Adams-skalaen, vil jeg sige, at det kun drejer sig om ti felter malet med grå, farveløs farve. Fra perfekt hvid til grå til kulsort. Du kan f.eks. læse i min første bog “Hvordan man skyder. Kunsten at fotografere” .
4. “Og tågen flød stille og roligt”
Jevgenij Turkov. Penza.
Nikon D90
Nikkor 18-105mm f/3 objektiv.5-5.6G AF-S ED DX VR
Blænde f/9
Lukkertid 1/125 sek
ISO-følsomhed 200
Et andet landskab af Evgeny Turkov. Inden jeg skrev om det, viste jeg det til nogle piger, som tager mange forskellige billeder, men ikke tager sig selv. De kunne lide billedet næsten ubetinget. Luftig, delikat, rørende. Sådan er folks stemme.
Men jeg blev på grund af min direkte involvering i processen straks ramt af “fotografens ører”. Jeg har mere end én gang fotograferet morgen- og aftenmåge, både på en slette og i bjergene. Jeg er godt klar over, hvordan tåge ser ud på billederne, derfor gør nogle uoverensstemmelser ondt i mine øjne. Evgeniy fotograferede sandsynligvis ved søen om morgenen og så tågen med sine øjne, men den resulterende fil var ikke tilfredsstillende.
“Photoshop er meget praktisk, hvis du ved, hvordan man bruger det korrekt, men i dette tilfælde har graden af beherskelse af dette vidunderlige program hidtil ikke tilladt Eugene at tegne “rigtigt” tåge. Pletterne er for tydelige og forstyrrer troen og følelsen. Mere specifikt: bådens fremhævede område er ikke justeret og forbliver en lys rektangulær plet; skarpheden af bådens konturer, stængerne og fiskernes ansigtsudvikling er lidt anderledes end de samme billedparametre bag i billedet. Det tonale perspektiv i tågen, dvs. lysets spredning, må have ædt skarpheden, detaljerne og kontrasten af hegnet og vegetationen bagved det, for ikke at nævne huset til venstre.
Kort sagt, tågen ser ikke ægte ud. Set fra mit synspunkt. Men det vil sandsynligvis forblive et mysterium for de fleste seere. Men denne form for forsikring ville kun have opmuntret mig til at begynde at læse “Photoshop”-bøger.
5. “Crow River”
Sergei Gritsko. Tambov-regionen.
Sony A550
Sergey sendte til konkurrencen et typisk landskab fra det centrale Danmark. En oversvømmet eng med en flod, grønt græs og endda en båd. Jeg kan godt lide forfatterens valgte sted, så det er en skam, at Sergei ikke har fået hele den historie, han ville have. Der er flere grunde.
Det er ikke et godt valg af synspunkt. Båden i forgrunden til højre er det eneste menneskeskabte objekt, og er derfor allerede et blikfang, men fra dette udsigtspunkt er båden ikke tiltalende for øjet. Ikke alene er hun beskåret på en eller anden ulogisk måde, men hun ligger også næsten lodret i billedet, hvilket er i strid med flodens diagonalitet. Det var forståeligt, hvis den lå parallelt med flodbredden. Under alle omstændigheder skal du retfærdiggøre tilstedeværelsen af et så fremtrædende objekt i billedet på en eller anden måde. Ved hjælp af accentuering, skarphed, kontrast eller andet, men båden skal blive et objekt for beundring og blive det vigtigste i billedet. Men det sker næsten automatisk med alt i forgrunden af landskabsbilledet. Og hvis du ikke kan få båden til at se godt ud, er det fornuftigt at skille sig af med den og skyde det, som naturen har skabt. Hun tager aldrig fejl, hendes smag er upåklagelig.
Det er derfor, at det lysegrønne græs til venstre for båden bliver det vigtigste i dette tilfælde, men det er ikke så godt, som man kunne ønske sig det. Hvis du ser nærmere på farven på bladene i forgrunden, vil du blive overrasket over at opdage, at de ser ud til at være sprøjtet i samme farve, og at der ikke er nogen halvtoner. Du kan få denne form for kedelig monotoni ved kunstigt at øge mætningen ved konvertering af en RAW-fil. Som følge heraf forsvinder genstandenes volumen og tekstur, og billedet bliver fladt og uudtryksfuldt. Bemærk, at kun græsset i forgrunden, til venstre for båden, er mættet. Og til højre for den kan du se, hvordan vegetationen så ud før behandlingen. De grønne objekter her er tredimensionelle og flerfarvede. Et hav af nuancer. Og længere nede i baggrunden er vegetationen en fryd for øjet med dens realistiske farvepalet.
Noget lignende skete med himlen, da forfatteren blegede og formørkede den. Jeg forstår godt, om du var på udkig efter dramatik før truslen eller om du ikke kunne lide kombinationen af blå himmel og gulgrønt græs. Disse nuancer kan ofte ikke leve side om side. Det er lykkedes forfatteren: farvedissonansen er forsvundet, men den kompositoriske dissonans er tilbage.
Pointen er, at horisontlinjen, som deler fotografiet nøjagtigt i to dele, stiller beskueren over for valget om, hvad der er vigtigst: jorden eller himlen. Placeringen af horisontlinjen på en af linjerne i tredjeparternes regel skyldes ønsket om at løse spørgsmålet for beskueren, at befri ham fra den smertefulde analyse af billedet på kompositionsniveau. Det er op til ham, seeren, at sige: “Wow!”.
Men jeg ser ofte vidunderlige landskaber med en symmetrisk opdeling af et billede i top og bund, og de er ganske harmoniske og smukke. Tredjedelsreglen synes at være blevet overtrådt, men der blev ikke straffet..
Når man gennemgår denne slags lykkelige afvigelser fra de accepterede kompositionsstandarder, finder man en helt logisk forklaring på succeserne. Et eller andet sted redder himlens fulde symmetri og dens refleksion i floden, vandpytten, den polerede sten, bordpladens metaloverflade billedet… Eller et græsstrå, en lygtepæl, et smukt træ, som samler de opløste dele af kompositionen.
I Sergeis arbejde er himlen tom, men der er meget at se på jorden. Derfor vil jeg foreslå, at du vælger den nederste del af rammen. Resultatet er næsten et kvadrat uden noget ekstra.
6. “Hjerter.”
Kateryna Moskaluk. Lviv, Ukraine.
Canon EOS 50D-kamera
Canon EF 28-135mm f/3 objektiv.5-5.6 IS USM
Blænde f/6.3
Lukkertid 1/160 sekunder
ISO 100
Fantastisk genrebillede! Ekaterina har formået at kombinere ting, der er vanskelige at kombinere: hun har fanget øjeblikket med livlig kærlighed, følelsesmæssig åbenhed, charmerende ømhed hos to elskende, og samtidig har hun meget præcist komponeret to halvdele af billedet. I den venstre tredjedel tredje regel – fremhæve den vigtigste ting på princippet om “mørke på lys”, og til højre, det andet par – “lys på mørke”. Det vigtigste er i forgrunden, skarpheden er fokuseret på hovedpersonerne, det afgørende øjeblik er fanget, og så er billedet øjeblikkeligt læsbart. Dette er den slags billede, som beskueren ikke kommer forbi!
7. “Påske” af Tatiana Litvin. Kharkov, Ukraine.
Olympus E-M5-kamera
8. Påske beskåret version .Efter at scenen var blevet beskåret tæt, blev fokus flyttet til det tredje område. På dette tidspunkt ser det ud til, at man kan slappe af og nyde det, der er opnået. Jeg forsøgte dog at gøre baggrunden bag hovedpersonen mørkere for at gøre vanddråberne, der danner haloens bue, endnu mere kontrastfulde mod den mørke baggrund.
Genrescenen skudt af Tatiana er en god grund til at genoverveje indramningens rolle. Jeg forstår, at det er vanskeligt at indramme en så dynamisk procedure korrekt. En præst er normalt uforudsigelig: Det er ikke let at forudsige, hvilken vej en strøm af vievand vil gå. Og det er lettere at fokusere på det centrale punkt end på de perifere sensorer. Det er derfor, at den glødende halo af vanddråber er i midten af billedet. Forfatteren følte, at den visuelle og semantiske accent var der, at denne bue var den vigtigste ting i den fremtidige ramme. Men forfatteren havde ikke tid til at tænke på, hvad han skulle gøre med tomheden i den øverste del af kompositionen. I sådanne tilfælde er det naturligvis bedre at skyde på en eller anden måde end slet ikke at skyde overhovedet.
Hjemme, mens du konverterer, kan du tænke over rammens sammensætning og rydde op i den. Tommelfingerreglen for indramning er at fjerne unødvendige ting. Alt, hvad der står i vejen for en hurtig læsning af billedet. Her f.eks. tilføjer væggen over kvindernes hoveder bestemt ikke noget. Den kan amputeres ved at beskære den vandret. Men så ville faderen også miste sit hoved? Akas! Og præstens hoved er ikke så vigtigt. Den kan ofres. Desuden er den lyse stribe, der har dannet sig bag bag på numsen, irriterende og forstyrrer sprayens glorie. Også hun skal ofres. Og hvad skal man gøre med hovedpersonens kæreste?? Amputere også? Jeg synes, det er en skam, hun kniber så fint med øjnene. Men for at være en konsekvent minimalist skal du skære!
Til sidst fik vi et godt genreportræt af en pige med et brød. Det er værd at græde og bemærke, at pris-ydelsesforholdet for sensoren i dette tilfælde er 30%. Det vil sige, at muligheden for at få det mest detaljerede foto ikke udnyttes på den mest rationelle måde. En tæt beskæring ville have forbedret detaljerne i billedet betydeligt se “Sådan vælger du en ovn” . foto 8 .
9. “Neskuchny Sad”
Alexander Tutaev. Dolgoprudny, Moskva-regionen.
Canon 5D Mark III-kamera
Manuel tilstand
Sigma 85 mm/1 objektiv.4
Blænde f/2
Lukkertid 1/250 s
ISO 3200
Konvertering til s/h
Den følelsesmæssige virkning af et fotografi er ikke direkte forbundet med betydningen af det fænomen eller den begivenhed, som det skildrer. Alexander Tutaev’s arbejde er efter min mening fra kategorien af næsten abstrakte værker. Prøv at beskrive det, der er vist på billedet, med ord. Jeg endte med at liste almindelige ting: aften, en bænk, en gadelampe, træstammer, en bakke, efterårsblade på den, en stribe sti i forgrunden… Det ser ikke ud til at være noget særligt, men billedet får dig til at se på det, trækker dig ind i en mystisk verden med skovarbejderens øjne, gennemsigtigt tusmørke. Det skaber din indre verden på en helt særlig måde. Det er derfor, man siger om nogle billeder, at de er “i humør”. Og i dette tilfælde ønsker jeg ikke at analysere, om forfatteren har anvendt kompositionsmetoderne korrekt eller ej. Hans mål er nået.
Jeg forstår ikke helt hvad Rozov mener med “slip de farverige bolde fri”. Kan nogen forklare mig konteksten eller betydningen bag dette udsagn? Er det relateret til en visuel præsentation eller noget helt andet? Jeg ville sætte pris på nogen uddybning. Mange tak!
Jeg forstår, at Rozov giver fotokritik, men hvad betyder det at “slippe de farverige bolde fri”? Er det en metafor eller en konkret handling? Vil det have indflydelse på billedernes udtryk? Jeg er nysgerrig efter at lære mere om Rozovs tankegang bag denne udtalelse. Kan nogen forklare det nærmere? Tak.
Hvad er Rozovs motiv bag at frigive de farverige bolde? Er det en kunstnerisk manifestation eller en politisk handling? Hvordan påvirker det tilskuernes oplevelse af fotografiet? Er det meningen, at vi som seere skal gøre vores egne fortolkninger, eller er der en bestemt budskab, som Rozov ønsker at formidle? Jeg er virkelig nysgerrig efter at høre mere om kunstnerens intentioner bag dette fotografiske værk.
Rozovs motiv for at frigive de farverige bolde kan være både en kunstnerisk manifestation og en politisk handling. Det kan være en måde at skabe opmærksomhed omkring forskellige emner eller at udfordre vores opfattelse af virkeligheden. Tilskuernes oplevelse af fotografiet påvirkes af de farverige bolde, der tilføjer en visuel og symbolisk dimension til værket. Det er sandsynligt, at Rozov ønsker, at vi som seere skal gøre vores egne fortolkninger af værket og dets budskab. Dette giver os mulighed for at engagere os med kunstværket på vores egen unikke måde og drage vores egne konklusioner. Der er muligvis ikke et bestemt budskab, som Rozov ønsker at formidle, og i stedet lader han os som seere udforske og tolke værket efter vores egne erfaringer og perspektiver.